Terror – Pain into Power (2022)

von Felix

In diesem Now Playing wurden Teile unseres Interviews (WBB) mit Terror-Vocalist Scott Vogel (SV) integriert. Wir belassen die Fragen und die Statements zum Album, zur Szene und der Welt drumherum im Original, da eine Übersetzung den Antworten die Dynamik raubt. Viel Spaß! Thanks for taking your time Scott Vogel! We’re looking forward to seeing Terror live in June.

Ich bin vielen Musikgenres zugeneigt. Dabei gibt es Wellen und Phasen, in denen man den einen oder anderen Stil bevorzugt hört. Hardcore und hier insbesondere der U.S. Hardcore brandete seit meiner Jugend immer wieder auf. Jetzt (am 06. Mai 2022) veröffentlichen Terror ihr neues Album Pain into Power bei End Hits Records. Reden wir nicht groß drum herum: Mit dem neuen Album bügeln Terror im Schnelldurchlauf alles platt, was sich in den letzten Jahren anschickte, einen Platz auf dem Hardcore-Thron zu ergattern.

Ja, zwanzig Minuten sind für das erste Studioalbum seit vier Jahren eine überschaubare Länge und ich persönlich hätte auch drei bis vier weitere neue Songs auf der Platte vertragen, aber andererseits ist nach diesen zwanzig Minuten auch einfach mal alles gesagt. Ich habe direkt nach dem ersten Hören gedacht, dass die Länge tatsächlich ausreicht und musste feststellen, dass genau hier drin eine der Stärken der neuen Scheibe liegt: Die Songauswahl und die jeweilige Kürze geben dem Album eine Dynamik, die mein Hardcore-Herz schneller schlagen und die Vorfreude auf Vollkontakt-Engtanz-Feten im Sommer wachsen lässt.

WBB: The Songs are (very) short, but sound quite self-contained. However, were there any discussions / plans to expand them to a more popular length?

SV: Nope. The discuss was to keep them short. Brutal. As hard hitting as possible and for the songs And record to never let up.  At all 110 percent start to finish. Thinking about a “ popular length “ was the furthest thing from out mind to be honest

WBB: The covid-19 situation is slightly relaxing, will there be any more Tour-Dates for Europe in 2022 / 2023?

SV: Yes there fucking will be!!!!* [siehe unten!]

Nimmt man zum Beispiel direkt den titelgebenden Opener Pain into Power, dann kann man exemplarisch festmachen, wofür das ganze Album steht. Selbst bei Songs unter einer Minute sind durchaus Variationen von Tempo und Takt integriert, der Gesang und die Texte werden so unmissverständlich von Scott Vogel herausgebrüllt, dass am Ende eines jeden Titels einfach keine Fragen offen bleiben. Der „Gesang“ gefällt mir insgesamt sehr gut und damit meine ich sowohl den Vortrag wie auch die Abmischung. Kritiker von Hardcore-Musik betonen häufiger, dass sie die Mucke an sich ganz geil finden, aber bei dem „Gebrülle“ nichts vom Text verstehen. Das ist natürlich auch bei nicht wenigen Hardcore-Bands (zumindest teilweise) zutreffend, bei diesem Album kann man die Lyrics aber hervorragend mithören. Und in meinen Augen lohnt es sich auf dieser Platte mal wieder so richtig, den Worten Gehör zu schenken.

WBB: In an interview from 2018 you said, it's not hard to find new topics to write lyrics about, it's more hard to find a fresh way to say something / finding fresh terms. Can you tell us something about the process of writing the lyrics for your new record? Was there any struggling finding new terms? Cause for me, the topics aren't new for sure, but it all sounds very fresh and very pure.

SV: I think the times we are all living in and the fucking nightmare the world has become has definitely given me reason to write and to be interceptive. So much is going on in this world and the way it separates and eats people alive is devastating and nothing like I’ve never seen before. Adding the brutal music we wrote was a great recipe for true aggressive hardcore.

WBB: For me Hardcore always stands for the most genuine type of respect. You don't judge people because of their outward appearance, you show respect and you get respect. Still a lot of people are afraid of Hardcore- Music / -artists / -fans or at least misunderstand it / them. Is it possible to live a hardcore attitude without being a real fan of this music?

SV: Hmm. That’s interesting.  I guess it could be. Maybe there are people that would not connect with the music and speed and all out aggressiveness of the music but would love the lyrics and thought process and could read zines and learn all about the hardcore mindset and become part of that while still not loving the music.

WBB: Dylan Slocum (vocalist of Spanish Love Songs) once said during a concert that living in L.A. has nothing to do with the bright and shiny movie version of this city. Everybody's struggling for or worried about money. As one who lived in NY and in LA - is there a difference in the city-society? and do you have to be (or at least had to be) part of this society / (sub-)culture to do true hardcore music? Or is it also possible for young people from the suburbs or the rural area to create a real hardcore sound?

SV:I grew up in a smaller city ( buffalo ny ) and lived way outside the city till I became a teenager. So yes it’s very possible. I lived in Los Angeles for 20 years but recently moved back to Buffalo. I like the small city and not being so trapped in life and all it human insanity.

WBB: What has changed in the scene during the last years / decades? Or what's left from the spirit of the late 1980s / early 1990s?

SV: Hardcore will always have the foundation and spirit from the seeds it grew from.  There will always be people holding on to the traditions kept and respecting  the roots but it has to grow and expand and change and ebb and flow. Just like all of us And everything in the world. For better or for worse the changes come and there is just no way to stop that. The internet and social media was the huge turning point for hc just like it affected all things and again it’s wonderful and terrible at the same time.

Neben klassischen Way of Life-Songs befinden sich auch wieder Texte aus dem Bereich Gesellschaft und Politik unter den zehn Songs. Diese schaffen es anzuklagen, zu schimpfen, zu kritisieren und Fassungslosigkeit über gesellschaftliche Begebenheiten auszudrücken, ohne dass sie dabei zu sehr das Klischee des hilflosen Unterdrückten versprühen, sondern ganz im Sinne des U.S.-amerikanischen old-school-Hardcores ein (ver)zweifelndes, aber kämpferisches Selbstbewusstsein zu verkörpern.

Bestes Beispiel und einer meiner Lieblingssongs auf Pain into Power ist On The Verge of Violence:

Racial tension at an all time high. / Have we learned nothing in these desperate times. / We hate each other – cause we hate ourselves. / So much blood, on our hands,In this man made hell.[…] / Violence -destroying humanity / Violence -it’s taken our sanity / Violence -watch the youth disappear / this is reality- face your fears

WBB: Reading News here in Germany you get the impression, that the society in the US was continuously separated during the last years. Poor people with three or four jobs still have to fear for their existence, super rich people and lobbying keeps holding them down, racism, unjust laws and politics and a deadlocked Democracy that seems like it hasn't developed since decades. Is this a correct image of american society or is it over exaggerated? And if yes - why isn't everybody listening Hardcore Music or living the way? Are there still too many people, who just don't care - who just don't give a fuck as long as they are getting along?

SV: These are my favorite lyrics on the record and I think they are important. I saw people I love choosing opposite side and fully being torn apart by all the things you saw. So many times, I myself was unsure and feeling hopeless and fearing the unknowing. I think we all know the gov is not trying to save us all And doesn’t have our best interest at heart in so many ways. I tried to navigate the best I knew how and focus on finding some hope in such a fucked up time. Hardcore isn’t for everyone but I’m very grateful I found it and never let go. Music has to be your hope and the scene has to be your bridge to the hope.  Lyrics have to make you think and explore and feel. And the scene has to take you in and protect you and teach you and show you some sort of light and reason to believe in life and humanity.

Das auch die kürzesten Songs eine runde Sache sind, zeigt Outside The Lies. Mit 44 Sekunden der kürzeste Track. Mir fällt das beim Hören kaum auf, da ich auf dieser Platte wirklich beeindruckt bin, wie Terror es geschafft haben, jedem Text eine musikalische Struktur im Rahmen des Repertoires einer glasklaren Hardcore-Band zu geben, die jedes einzelne Stück zu einer runden Sache abschließt – egal ob bei 50 oder 150 Sekunden Länge.

 WBB: Very strong lyrics (probably my favorite on the new record): Born on the bottom / United by our shattered dreams /Tested in these damaged times / Don’t you fucking question me

We all have an imagination of what's meant with this lyrics / song, but I'd like to hear what drove or motivated you writing the lyrics of OUTSIDE THE LIES?

SV: During the pandemic and the death of George Floyd I saw everyone I know be tested and made to show who they are.  In these trying times and through all the anger and uncertainty these lyrics came out to say to myself that I will have to decide for myself who I am and what I stand for.

Ähnlich nur ganz anders (Jo, isso) als ich das bei meiner Rezension zu Iron Maidens Senjutsu Album im letzten Jahr schrieb (hier nachzulesen): jeder Song muss je nach Band und Stil den Rahmen bekommen, der nötig ist, um die Geschichte und die beabsichtigten Emotionen zu vermitteln und das geht nicht immer in gewöhnlichen dreieinhalb radioverträglichen Minuten und gewohnten 4/4 Strophe-Chorus-Strophe-Chorus Strukturen.

Das gelingt Terror hervorragend und somit bin ich völlig zufrieden und komme zum Abschluss mit einem genialen Life-Hack: Sind Alben nur 20 Minuten lang, muss man sie einfach drei mal hintereinander hören und schon ist eine Stunde rum. Verrückt oder?!

Ich bin mir allerdings total unsicher, wie ich diese Platte jetzt bewerte, denn wie ihr merkt, feiere ich das (je nach Zählweise) 9. Studioalbum der Amerikaner ziemlich ab. Mein um Objektivität bemühtes Kritiker-Ich denkt aber auch, dass es sich ja „nur“ um Hardcore handelt und hier ja keine handwerklich perfekte Musik-Kunst serviert wird… Aber scheiß drauf: Weil ich wirklich jeden Song geil finde und diese Platte schon etwa hundert mal gehört habe und meine Freude immer weiter daran wächst und ich jetzt wieder weiß, welche Art von Hardcore ich am meisten mag, ist diese Platte unter vielen guten Veröffentlichungen in diesem Jahr bisher mein persönliches Highlight. Ich gebe hier jetzt völlig subjektive und Hardcore-verliebte 9 von 10 Wellenbrecher! Aber so ist das, wenn eine alte Liebe völlig unerwartet wieder zum Leben erweckt wird.

*Pünktlich zum Release wurden erste Tour-Daten für Europa angekündigt:

Bildquelle: Instagram Terror

Cancer Bats – Psychic Jailbreak (2022)

von Felix

Nach 4 Jahren melden sich die sympathischen Kanadier mit einem neuen Album zurück. Vorab gab es bereits einige Singles und Videos, die wie im Falle von Lonely Bong mit einer recht ordentlichen Prise Selbstironie / Humor gedreht wurden. Wie auch bei uns im Podcast schon das eine oder andere mal thematisiert, wird auch hier das Alter der Bandmitglieder aufgegriffen und anhand der Frage, inwieweit Bands vom Format der Cancer Bats versuchen müssen, neue Wege zu gehen, um auch jüngere Menschen verstärkt anzusprechen, spaßig verarbeitet.

Dabei steht die Band keineswegs für altbackene Rockmusik, sondern präsentiert sich auf dem Album zwar durchaus gewohnt im Klang, aber modern im Sound.

Die elf Tracks sind eine angenehm reduzierte, gut arrangierte Auswahl an schnelleren Hardcore- / Alternative-Brettern mit sehr vereinzelten etwas ruhigeren, melodiöseren Parts.

Schon beim Opener Radiate geht es ordentlich nach vorne: Bass und Gitarre voll Distortion in den Strophen, ein einfacher Chorus zum Springen und Mitsingen, Bridges und Soli sorgen für leichte Tempowechsel und der Gesang Liam Corniers auf Anschlag – Das macht direkt Bock auf mehr!

Und es geht auch direkt weiter mit The Hoof, einem Song bei dem sich im Intro der Pit in meinen Gedanken beginnt im Kreis zu bewegen, um dann mit Beginn der ersten Strophe zu explodieren. Auch hier fällt mir auf, dass auf diesem Album die Bässe unglaublich fett wirken und das kann man insgesamt festhalten, hier liegt eine wirklich starke Produktion vor, die in einigen Passagen durch den Bass (Jaye Schwarzer) und die Bass Drum von Mike Peters für einen drückenden Sound sorgt. Wenngleich ich gerade dazu durchaus schon andere Meinungen vernommen habe, die vor allem das Fehlen des ehemaligen Gitarristen Scott Middleton heraushören. Das Gründungsmitglied hatte zweifelsohne großen Einfluss auf den Sound der Vorgänger, aber ich kann für mich feststellen, dass die neue Platte erfreulicherweise auch ohne Scott richtig gut funktioniert. Mir gefällt der Sound auf Psychic Jailbreak wirklich gut.

Aber zurück zu The Hoof: My life was saved by a Skateboard! Die Texte kommen also – wie oben bereits schon mal erwähnt – auch weiter mit einem ironisch-nostalgischen Humor herüber, der aber eben ohne einen ernsten Background wirkungslos bleibt und genau den integriert Liam Cornier beim Songwriting sehr bewusst. In einem Beitrag des Kerrang-Magazins (also hier!) kann man seine direkten, kurzen Statements zu jedem einzelnen Stück der Platte nachlesen.

Das Tempo bleibt ziemlich hoch und hat damit bei mir gerade voll den Nerv getroffen. Kann sein, dass es am eintretenden Frühling liegt und den zunehmenden Öffnungen und Möglichkeiten im Freizeitbereich, ich verspüre gerade jedenfalls eine Menge Bock und dieser Umstand lässt sich durch die zum Teil echt krachenden Stücke des neuen Albums aber mal so richtig anfeuern: Nur ein weiteres Beispiel sei hier der Song Friday Night, in dem es zwar textlich etwas ernster zur Sache geht, der aber der treibenden Eröffnung der Platte in Nichts nachsteht. Der Eindruck soll auch nicht entstehen, Cancer Bats sind bei aller Ironie keine Suppenkasper. Sie haben etwas zu sagen und das transportieren sie auch deutlich. Diese Mischung aus ernsteren und etwas sarkastischen Textpassagen haben die drei hier insgesamt gut angerührt, bei Friday Night ist es am deutlichsten zu spüren. Der Titel des Songs ist einfach entstanden, weil der Bassist diesen an einem einizgen Freitagabend komplett komponierte und hat überhaupt gar nichts mit einem TGIF-Feiersong zu tun.

Aber wie sieht es mit den zumindest etwas ruhigeren oder langsameren Titeln aus? So eine richtig klassische, radiotaugliche Ballade findet sich so schnell gar nicht. Hammering On ist vom Tempo her ein wenig reduziert, behält sich aber auch härtere Parts vor. Der Gesang wird hier passend durch die Sängerin Brooklyn Doran ergänzt. Da würde mich wirklich interessieren, wie es zu der Zusammenarbeit kam, denn Brooklyn Doran ist eine klassische, wenngleich anspruchsvolle Songwriterin, die ich aber – außer der Tatsache, dass sie auch aus Kanada stammt – niemals mit den Cancer Bats in Verbindung gebracht hätte. Aber die Überraschung ist durchaus gelungen. Eigentlich war es das dann aber auch schon mit ruhigeren Songs. Die übrigen Stücke gehen zwar nicht alle so direkt nach vorne (zumindest nicht durchgehend), bringen aber ebenfalls klar zum Ausdruck: Cancer Bats haben Bock zu rocken! Gute Beispiele sind dafür auch die Songs Pressure Mind und Rollin Threes. Bei Pressure Mind gibt es etwas weniger Tempo in den Strophen und Instrumental-Parts, dafür dann im Refrain wieder Gelegenheit zum raumgreifenden Ausdruckstanz, Rollin Threes gefällt mir vom Songkonstrukt her ausgesprochen gut, da er eher eine Geschichte erzählt und so mit längeren Strophen und kurzen Chorusphasen für Abwechslung sorgt.

Ich neige im Podcast ja dazu, Bands bzw. Alben in alltagstaugliche Kategorien zu stecken, bei Psychic Jailbreak fällt mir das etwas schwerer, denn wie gesagt, trifft das Album gerade absolut meinen Geschmack. Deshalb lief es bei mir auch bereits zu vielen Gelegenheiten: beim Putzen, beim Arbeiten, beim Duschen, beim Joggen und beim bewussten Konsumieren im Ohrensessel.

Es kann gut sein, dass ich in anderen Lebensphasen noch stärker bemängelt hätte, dass mir das Album zu wenig Kontraste bietet und der Gesang über die Länge des gesamten Albums zu gleichförmig ist, in meiner aktuellen Verfassung bleiben so aber starke 7,5 von 10 Wellenbrecher. Plattenkritiken sind also nicht einfach nur subjektiv sondern unterliegen auch noch intraindividuellen Schwankungen – und auf meiner aktuellen Schwankung skaten die Cancer Bats stabil in meine Playlists – kannst machen nix…

Genuary Tipp 31/31 2022

Anaïs Oluwatoyin Estelle Marinho aka Arlo Parks

Mit Collapsed in Sunbeams erschien Anfang 2021 ein Album für das die junge Engländerin Arlo Parks völlig zurecht viel Aufmerksamkeit bekam. Diese weit überwiegend positive Rückmeldung brachte ihr konkret eine ganze Reihe Preise und Auszeichnungen in 2021 ein. Um nur einige zu erwähnen: Best Independent Album 2021, UK Independent Breakthrough bei den Independent Music Awards, oder Best New Artist bei den Brit Awards und zuletzt den Mercury Price für das Best New Album. Das sind nur einige Beispiele, es gibt weitere Preise und dazu eine noch längere Liste an weiteren Nominierungen. Da kann man sich nur verneigen. Besonders schön ist das, weil Arlo Parks so eine herrlich authentisch sympathische Art hat, sich ehrlich über diese Auszeichnungen zu freuen und diese auch als Anerkennung für ihr musikalisches Schaffen einordnet.

Was den Reiz ihrer Songs ausmacht, ist dass sie zum einen in der Sprache sehr klar, aber durchaus poetisch rüberkommen und zum anderen, dass sie musikalisch eine Leichtigkeit vermitteln, die in den überwiegenden Fällen im Kontrast zum Inhalt der Texte steht. Das ist unglaublich clever komponiert und arrangiert. Einer meiner absoluten Favoriten des Debut-Albums ist zum Beispiel der Song Violet. Er vereint eigentlich alles, was ich an dieser Platte wirklich liebe – sie ist sehr vielseitig hörbar: Wenn ich Zeit habe, kann ich tiefer eintauchen und die Texte richtig wirken lassen und wenn ich nebenbei einfach nur schöne laid-back Musik hören möchte, dann ist dieses Album ebenso gut geeignet.

„It feels like nothing’s changing and I can’t do this.“

Wir schließen heute den Genuary 2022. Alle vorgestellten Künstlerinnen sind Empfehlungen, weil wir ihre musikalischen Werke, ihre Persönlichkeiten und ihr Auftreten schätzen und es sind immer einige Bands und Musikerinnen dabei, die sich auf unseren Playlists festgesetzt haben. Ich wollte diesen Monat daher mit Arlo Parks mit einer Interpretin beenden, die ich allen besonders ans Herz lege. Wenn ihr also eine ähnliche Leidenschaft für hervorragende Texte habt wie ich und Arlo Parks bisher nie so richtig wahrgenommen habt, dann holt das nach. Als jemand der auch 2022 noch gerne beim Hören guter Musik mit einem Textblatt in der Hand die Musik mitliest, ist das mein eindringlicher Appell an euch, der vielleicht etwas romantisch klingt, aber durchaus ernst gemeint ist: Lest mehr Lyrics! Es hilft, die Musik zu fühlen.

Leider gibt es zu dem schönen Beispiel, welches ich dazu anbringen möchte kein gutes Video, nur dieses beschissene Aquarium. Aber gut, vergesst diese Fische, hört einfach das Lied Moon Song, welches mich persönlich ein wenig an Mazzy Stars Fade Into You erinnert, aber tatsächlich ein Cover eines an für sich schon sehr guten Songs Phoebe Bridgers ist. In jedem Fall ein würdiger Abschluss unseres Genuarys. Ihr lieben Leute, bleibt aufmerksam und offen beim Musikhören, urteilt nicht so schnell und schon gar nicht aufgrund irgendwelcher unrelevanter Merkmale, die niemals einen direkten sondern höchstens einen konstruierten oder ideologischen Einfluss auf den künstlerischen Output einer Person haben. Hört doch einfach die Musik, die euch gefällt.

https://www.instagram.com/arlo.parks/

Genuary Tipp 30/31 2022

Marisa Missy Dabice und Kaleen Reading von Mannequin Pussy

Volle Ladung Live-Musik gefällig? Mitten in unsere Luxus-Problem-Wunde der großen Konzert-Vermissung? Mannequin Pussy spielten im vergangenen Oktober eine Show in ihrer Heimatstadt Philadelphia, die auf Video aufgenommen wurde und akustisch sehr stark abgemischt auf YouTube zu finden ist.

Sängerinnen und Sänger stehen natürlich schnell im Mittelpunkt einer Band und – klar, auch bei Konzerten voll im Fokus. Mannequin Pussy vereint neben der energiegeladenen Frontfrau Marisa aber mit der großartigen Schlagzeugerin Kaleen und dem Bassisten Colins Regisford (der beim letzten Song im unten verlinkten Video auch als Sänger richtig einen raushaut) gleich drei Sympathieträger, die für mich eine Positivität und Power mit auf die Bühne bringen, so dass man sie schnell ins Herz schließt, obwohl viele Lieder eigentlich wütende Texte und Inhalte transportieren. Nebenbei, der Auftritt erfolgte kurz nachdem ihr Van in Ohio mit dem gesamten Equipment gestohlen wurde, so dass auch dieses Konzert nur mit geliehenen Instrumenten gespielt wurde.

Mannequin Pussy haben bereits drei Studioalben veröffentlicht. Irgendwo zwischen Indie, Punk und Grunge haben sie sich im Jahr 2021 – mittlerweile bei Epitaph Records – in mein Herz gespielt. Leider finde ich, das die Studioversionen nicht immer die gleiche Energie mitbringen, wie das was Mannequin Pussy bei ihren Liveshows raushauen. Und trotzdem bleibt diese Band für mich eine absolute Empfehlung. Ich lege allen Festivalmenschen hier eine Band ans Herz, die mit Herz, Hirn und Humor richtig geile Bretter aufs Parkett haut. Und weil das so ist, gibt es heute nur ein Live-Video, das ist dafür aber einfach verdammt gut.

https://www.instagram.com/mannequinpussy/

Genuary Tipp 29/31 2022

Die Dorks mit Lizal Dork aus Marktl am Inn, Bayern

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Musik

Unser Interview mit Lizal findet ihr überall, wo es Podcasts gibt und hier auf dem Blog.

Die Entwicklung dieser Band ist schon erstaunlich. Über sieben Alben hinweg vollzog sich langsam, aber stetig die Metamorphose vom – mit Verlaub – musikalisch überschaubaren Spaßpunk hin zum ernsthaften Metalpunk mit politischen und gesellschaftskritischen Texten. Die Maschine von morgen erschien am 30. April 2021 bei Coretex Records und der Titelsong klingt so:

https://www.youtube.com/watch?v=FRiArydQHms

Hauptverantwortlich für diesen Wandel dürfte Sängerin, Texterin und Gitarristin – kurz Frontfrau – Lizal Dork sein: Damals über Abgefuckt liebt Dich Mitmusizierende suchend und seither voller Leidenschaft den Ton angebend.

Ihre Begeisterung für Musik, so berichtet Lizal in einem Interview, entflammte bereits in Grundschultagen, als sie Anfang der 90er zum ersten Mal Barcelona hörte – das epische Duett Freddy Mercurys mit Montserrat Caballé. Schon sehr früh begann sie ein Instrument zu lernen, erst Keyboard, dann etwas später Gitarre. Über einen gewonnenen Talentwettbewerb rutschte Lizal in die Welt des Schlagers. Ein paar Songs wurden aufgenommen und ein Fernsehauftritt beim Grand Prix der Volksmusik folgte.

Doch je älter Lizal wurde, desto deutlicher erkannte sie die sexistische, scheinheilige und gleichförmige Welt hinter dem Schlager – willkommen im #Genuary. Zwar gibt es im Pop wie im Schlager deutlich mehr Musikerinnen, als in anderen Genres, aber ob diese wirklich als Künstlerinnen oder eher als singende „Männerträume“ wahrgenommen und vermarket werden, sei dahingestellt. Auch im Rock muss man diese Frage übrigens – zumindest teilweise – stellen. Da sind wir wieder vor der eigenen Haustür: #punktoo

Lizal jedenfalls kehrte der unechten Schlager-Welt den Rücken und ging, nein, lief schnurstracks in eine andere Richtung. Eine damalige Klassenkameradin brannte ihr den „heißen Scheiß“ des Punks und Metals der Neunziger und so kam sie mit Bands wie Iron Maiden und WIZO in Berührung. An dieser Stelle wärmstens zu empfehlen die herrlich selbstironische, dorkische Coverversion eines Maiden Klassikers – 4 of the Dork…  

auch andere Cover-Versionen wie „Dispo Pogo“ oder „Weil ich’n Assi bin“ sind äußerst kreativ umgesetzt

Seit dem aktuellen Album sind die Dorks nur noch zu dritt: Lizal schreibt weiterhin die Musik und Texte, der neue Basser Mark von Elend arrangiert fleißig mit und Drummer Bons setzt um, was komponiert wurde. Eine Arbeitsteilung, die absolut aufgeht. Die Maschine von morgen – als Doppel-Vinyl mit giftgrünen Platten – bescheinigt der Band mit knapp 70 Minuten Spielzeit auf 13 Songs eine gewisse metal-ige Spielfreude. Punkchords treffen auf Metaltiefe und Gitarrensoli. Dazu Texte, bei denen ich vielfach dachte: Jo, recht hat se! Die Songs packen, musikalisch wie textlich. Lieblingsnummer? Eigentlich zwei: Ob ich morgen noch so bin ist inhaltlich sehr enrsthaft und beschreibt die fragile Funktionalität unseres moralischen Kompasses im dunklen gestern, im heute – und im morgen. Und, als krasser Gegenpart dazu, Jobcenter – mit Gerre von Tankard. Thematisch erinnert die Nummer an AC/DC’s It’s a long way to the top if you wanna Rock n Roll.- und musikalisch irgendwie an Judas Priest, oder Lizal? 🙂 Einfach ehrlich, einfach herrlich: