Eddie Vedder – Earthling (2022)

von Alex

Zugegeben, selten musste ich mir für eine Rezension so viele Gedanken hinsichtlich der Strukturierung machen wie zum aktuellen Soloalbum des Pearl Jam Frontmanns. Dies hat hauptsächlich drei Gründe:

1.: Auf diesem Album geht so unglaublich viel vor sich – musikalisch wie personell -, dass der Rezensent schnell Gefahr läuft, wichtige Aspekte auszulassen.
2.: Ich wollte – nein, ich konnte nach mehrmaligem Hören – nicht vollumfänglich in die Lobeshymnen vieler Fans und Kritiker mit einsteigen (ein Sakrileg?).
3.: Als langjähriger Pearl Jam Sympathisant und eingefleischter Eddie Vedder Fan war ich um ganz besondere Objektivität bemüht (funktioniert in der persönlichen Wahrnehmung von Musik natürlich nicht!).

All dies im Hinterkopf behaltend, möchte ich mit einem Zitat von Bono beginnen, der einmal sagte:
„Die Wut ist eine fundamentale Komponente von Rock ’n‘ Roll. Viele große Rockbands hatten sie. Daher waren The Who auch so großartig. Oder Pearl Jam. Eddie Vedder hat diese Wut.“

Auch für mich ist Eddie Vedder klar einer der bedeutendsten Rocksänger der letzten 30 Jahre und seine Texte und Botschaften sind bis heute großes Kino – auf Earthling sind sie wieder sehr angriffslustig. Stark! Aber diese von Bono beschriebene Wut in der Stimme scheint kaum mehr existent zu sein. Wer will es ihm nach all den Jahren, Jahrzehnten, verdenken? Wer kann schon sein ganzes Leben lang wütend sein und klingen? Eddies “neue“ Gesangslinien, in denen er mehr haucht als singt und die letzte Silbe der Textzeile uninspiriert in die Länge zieht wie Kaugummi, als wäre ihm keine bessere Idee gekommen, scheint inzwischen der Standard zu sein. Dazu technisch tadellose, aber wenig lebendige Gitarrenriffs, die niemanden mehr ernsthaft piksen können. Im Pearl Jam Kosmos gab es auf den letzten Veröffentlichungen viel zu viel davon: Zu mutlos, zu zahnlos, zu brav, vollkaskoversicherter Dad-Rock. Beispiele zu zahlreich, um sie zu nennen. Und es tut mir weh, das zu sagen.

Auf Earthling gehen Songs wie Power of Right oder auch Brother the Cloud nun wieder in eben diese Richtung. Dabei thematisieren beide wichtige Themen. Letzterer behandelt auf beeindruckende Weise den Verlust von lieben Menschen (wie gesagt: Texte weiterhin top!).

Besser umgesetzt ist das Rockthema in Songs wie Rose of Jericho oder Good and Evil, dem wohl härtesten, schnellsten Song des Albums. Hier lodert Eddies Wut doch noch einmal kurz auf (Save you meets Do the evolution meets Spin the black circle):

es lohnt sich, genauer hinzuhören! Auch hier wieder ein starker Text!

Doch muss es immer Wut und Hardrock sein? Nein! Ganz im Gegensteil. Aber auch die einzige waschechte Ballade zündet nicht. The Haves beginnt vielversprechend, wird aber schnell so beliebig wie (fast!) alle Pearl Jam Balladen, die nach Just Breathe das Licht der Welt erblickten.

Und dabei hat Eddie sich extra prominente Unterstützung geholt, vermutlich um genau diese PJ-Vergleiche zu vermeiden. Etwas flapsig könnte man gar behaupten, hier ein neues Chili Peppers Werk vor sich zu haben. Denn alle Songs wurden mit komponiert von Ex-Chilischote und Multiinstrumentalist Josh Klinghoffer (siehe rechts im Video unten: Gitarre/Piano), der auch für diverse Gitarren, für Klavier, Bass und einige Keyboardsounds verantwortlich war, während das Schlagzeugspiel von niemand Geringerem als Chad Smith stammt (siehe auch Video unten). Auch der 31-jährige Wunderknabe Andrew Watt (siehe auch Video unten, links) komponierte munter mit. Ein cleverer Schachzug, sich für das Soloprojekt eine homogene Band ins Haus zu holen, die nicht Pearl Jam heißt. Am besten ist die Platte dennoch, wenn Eddie und Konsorten dem reinen Rock abschwören und andere Töne anschlagen. Dann ist die sie nämlich richtig, richtig gut. Also, genug der negativen Worte, was gefällt?

Genre-Potpourri
Im Opener Invincible mimt Eddie die Ground Control: Can you hear? Are we clear? Cleared for lift off, takeoff! Wir heben mit unserer Zeitkapsel ab in den 15 Jahre alten „Into the Wild“ Kosmos (grandioser Soundtrack und Film damals!). Unverhofft sehe ich Alexander Supertramp AKA Christopher McCandless wieder vor seinem Magic Bus sitzen. Nur mit dem Unterschied, dass es dieses mal nicht alleine nach „Alaska Alaska“ geht, sondern mit der ganzen Band in den Orbit: Akustikgitarren, flowende Drums, Eddies Timbre und akkurat platzierte Ahahaha’s sorgen für vertraute Wärme, gute Laune und Vorfreude. Ein gelungener Start ins Album.

Invincible when we love! We got the heavens, we got the Earth and in between we got big surf! So schaut’s aus!

Apropos Surf: Im surfpopchilligen Fallout Today ähnliche Assoziationen: Das Akustikgitarren-Mainriff erinnert an Chris Cornells Seasons, die Gesangsmelodie ist endlich wieder schön und das Heavy-Distortion-Solo verfehlt seine Wirkung ebenfalls nicht.

The Dark ist trotz des dunklen Textes eine musikalische Feel-Good-Komposition, die besonders live richtig Spaß macht und dem gerade beschriebenen Stil ebenfalls folgt:

Ja, und beim countryfolkigen Long way kommen wir direkt zum nächsten Aspekt des Albums: Die vielen musikalischen Hommagen. Denn wem hier gehuldigt wird, war in den allerseltensten Fällen so eindeutig: Wenn Ed: He took the long way on the free way anstimmt, erscheint dem Hörer unmittelbar das freundlich lächelnde Gesicht des 2017 verstorbenen Tom Pettys. Auch Eds jüngste Tochter Harper ist zu hören.

Ein Album der Hommagen und Kooperationen
Eine weitere Hommage – die Beste des Albums – findet sich auf dem orchestralen Mrs. Mills. Eigentlich sogar derer zwei: Musikalisch lassen die Beatles grüßen. Um die Ehrerweisung rund zu machen, hat hier sogleich Ringo Starr die Sticks zur Hand genommen. Die zweite Huldigung ist textlicher Natur: Es geht – wie der Titel schon verrät – um die britische Musikerin Glady Mills und ihr Klavier. Piano spielt Eddie Vedder übrigens höchstselbst. Zeitloser Track! Richtig klasse:

Kommen wir nun zu den Kooperationen, welche sich im letzten Viertel des Albums breit machen. Und man möchte Eddie, Josh Klinghoffer und Andrew Watt hinsichtlich des Songwritings laut zurufen: Ja, warum denn nicht gleich so! Nummern wie Try sind mutig und frisch. Unverkrampfter Lumberjack Rock – und das nicht nur dank Stevie Wonders Weltklasse-Highspeed-Mundharmonika-Solo. Im Background: Eds Erstgeborene Olivia.

Und welch eine Macht das Songwriting eines Elton Johns darstellt, darf im Americana-angehauchten Picture bewundert werden – ebenso wie seine markante Stimme und das ausufernde Rock-n-Roll-Pianosolo. Der Gänsehautmoment des Albums!

auch hier: Die Nummer mal live genießen, unbezahlbar!

Hier hören wir Elton Johns Hommage an Pearl Jams Alive. Und erleben seine “Retourkusche“, nachdem Eddie sich auf der letzten Soloplatte des Tasten-Ritters „The Lockdown Sessions“ verewigt hatte (E-Ticket).

Einen emotionalen Schlusspunkt der subtilen Sorte setzt das Duett Eddies mit seinem viel zu früh verstorbenem leiblichen Vater. Wiedergefundene Tonaufnahmen von Edward Louis Severson Jr. schwirren durch den kurzen, sphärischen Song im Oceans-Eleven-Rat-Pack-Thema: I‘ll be on my way!

Fazit:
Das Album beginnt aussichtsreich, schleppt sich (kurz) uninspiriert dahin, ehe die Kurve volatil, aber verlässlich nordwärts klettert. Mit dem bereits erwähnten Into the Wild Soundtrack konnte Eddie 2007 eindrucksvoll beweisen, dass er nicht nur ein großer Frontmann, Sänger und Texter ist, sondern auch ein guter Komponist. Auf Earthling entzieht er sich dieser Fragestellung aufgrund der vielen Co-Writer. Ohnehin ist es etwas ganz anderes, dreizehn Songs für eine komplette Band zu schreiben.

Die Platte ist sehr schwer zu greifen. Einerseits fehlt ein roter Faden: Rock, Folk, Southern/Country/Americana, sind ziemlich viele Eindrücke aus dem Genre-Beet. Andererseits gefällt mir ja gerade – wie eben geschildert – der beherzte Ausbruch aus den Konventionen.

Und während ich diese Zeilen schreibe, bemerke, dass ich jeden einzelnen Song hier erwähnt und wahrscheinlich trotzdem Einiges vergessen habe und mir die Vorzüge der Platte durch den Kopf gehen lasse, kriege ich direkt Bock, den Black Circle nochmal zu spinnen (ich hatte mir mal die schicke Schallplatte gegönnt, s.o., Design: Eddie Vedder alias Jerome Turner). Ja, der Erdling ist vorerst auf meinem Plattenteller gestrandet. Das ist mal sicher. Zum Ende bin ich nochmal ketzerisch, wenn ich behaupte: Earthling ist das beste Pearl Jam Album [sic] seit dem selfttitled Album 2006.

Zur Bewertung:
Bewerte ich hier beide Seiten der Vinylversion einzeln, fällt Seite A (1-6) schon ab. Bewerte ich das Werk in Gänze als eine Hommage-Genremix-Feature-Familientreffen-Kompilation unter der Schirmherrschaft eines textlich extrem meinungsstarken Vedders, vergebe ich spaßmachende 8/10 Wellenbrechern. Kein Spiel entscheidet sich in der ersten Halbzeit. Mut wird belohnt!

Smile and Burn – Besser sein als jetzt (2022)

Von Felix

Ich muss zugeben, dass Smile and Burn viele Jahre recht spurlos an mir vorbeigegangen sind. Ich weiß aber gar nicht so genau warum, die Band trifft durchaus meinen Nerv. Ich bin tatsächlich (zu)erst durch das Stück Zubetoniert vom 2020er Album Morgen Anders so richtig auf die Band aufmerksam geworden. So freute ich mich dann auf das neue Album Besser sein als jetzt, was letztlich Mitte Mai 2022 nach zwei Vorab-Veröffentlichungen erschien. Übrigens auch in einer sehr hübschen 10“ Vinyl-Variante. Immerhin beugt das einem „die alten Sachen fand ich besser“ vor.

Die Platte startet mit Egal was gestern war: Das ist gleich ein energiegeladener Opener, der klar die Richtung dieser Platte vorgibt. Smile and Burn sind auf ihrem sechsten Studioalbum so, wie sie musikalisch eh am besten sind: aufgedreht, temporeich, manchmal wütend und fast durchgehend bei einer sehr angenehmen Härte, die auf schweißtreibende Konzerte hoffen lässt. Leider musste der Support-Auftritt für ZSK bedingt durch Corona gecancelt werden, also müssen wir bei Smile and Burn auf die nächste Live-Gelegenheit warten.

Aber zurück zu Titel 1, denn hier gibt es richtig guten modernen Punk. Dafür braucht es bekanntermaßen ja nicht viel, aber auch das muss eben gut sein, damit es auch richtig bumst. Schneller Schlagzeugtakt, schraddelige Gitarren, einfache Melodie, ein anklagender Text, aber alles so abgemischt, dass auch bei diesem Tempo durchaus harmonisch klingt und seine Wirkung nicht verfehlt. Zu viele Punk und Post-Punk-Bands verloren sich zuletzt in zunehmend ruhigen bis melancholischen Tönen und populären oder hart philosophischen Textkompositionen. Daher ist es schön direkt vom Start weg zu hören, dass Smile and Burn hier einen anderen Weg einschlagen.

Dem ersten Song folgt direkt das vorab veröffentlichte In vielen Farben. Schon bei dieser Veröffentlichung hatte ich gehofft, dass der Rest des Albums ähnlich laufen würde und ich wurde absolut nicht enttäuscht.

Die Platte geht durchweg diesen Weg, auch wenn mit Dieses Stück Hoffnung oder auch dem Song Scheißsystem zumindest mal phasenweise etwas ruhigere Töne angeschlagen werden.

Bei mir persönlich wecken diese Passagen in manchen Teilen in Bezug auf Gitarre und Gesang Assoziationen zu den Goldenen Zitronen. Das meine ich selbstverständlich als Kompliment und erklärt auch meine Freude an dieser Platte. Die Zitronen waren zwar musikalisch nie so hart, aber sie standen immer für kluge, ironische Texte, die auch gerne die eigene Szene und die eigene Rolle mit im Blick behielten.

Lieblingstracks auf dieser Platte sind ganz klar die aufeinander folgenden Titel Mensch, das Koks sieht klasse aus und Krätze. Erster ist eine Art Punkrock Coming-of-Age Stück. Kein Thema, das nicht auch schon von anderen Bands gesungen wurde, aber der ironisch-sarkastische Ton des Textes von Sänger Philipp Müller trifft voll meinen Geschmack – früher war ich Punk, jetzt Unternehmensberater – Eine Minute und fünfundfünfzig Sekunden pure Freude.

Das noch zehn Sekunden kürzere Krätze steht hier in nichts nach, wenngleich der Text sich hier eher um lästige Proteste besorgter Bürger dreht. Musikalisch geht es hier zu sogar noch etwas kompromissloser zur Sache. Einfach herrlich.

Hier passt also sehr viel, um mich zufrieden zu stellen. Kommen wir jetzt also noch zu Schwächen: Ein paar Stücken im letzten Drittel der Platte fehlt ein wenig der Biss und sie sind für mich Bierhol-Songs, die ich eher nebenher laufen lasse. Meine besten Ideen und Wir haben Reden gehalten sind keine schlechten Lieder, fallen aber etwas ab, wobei die Texte auch hier hörenswert bleiben.

Den Abschluss bildet dann das textlich herausragend überflüssige Computer spielen. Ein Song, der ebenfalls bereits veröffentlicht wurde. Wer es nicht kennt, sollte sich die komplette Playlist dazu geben, der gleiche Song in sechs absolut hörenswerten Interpretationen verschiedener befreundeter Bands und Interpreten.

Was bleibt also abschließend festzuhalten: Ich höre dieses Album in weiten Teilen sehr gerne und freue mich über dieses geradlinige und authentische Album, dafür sahnen Smile and Burn hier 7 von 10 Wellenbrecher ab.

Porcupine Tree – Closure/Continuation (2022)

von Alex

Wenn ich in der Vergangenheit die britischen Progrock-Pioniere Porcupine Tree gehört habe, wurde ich binnen Minuten an die Welt der Whiskeys erinnert. Genauer gesagt an die geschmacklichen Unterschiede zwischen einem zarten Einstiegs Single Malt wie Glennfiddich oder Aberfeldy auf der einen Seite und den rauchigen bis torfigen Noten eines Laphroaig oder Ardbeg Uigeadail auf der anderen. Denn vergleicht man einen Aberfeldy mit Bands wie den Foo Fighters, Green Day oder gar Rammstein, die allesamt den Rockgeschmack von unzähligen Menschen punktgenau und spielend leicht treffen, sind Porcupine Tree eher ein Octomore von Bruichladdich – extrem andersartig und wahrlich nicht für jeden Gaumen bzw. für jedes Trommelfell geeignet. Und das meine ich für beide Seiten der Skala überhaupt nicht wertend: Leckere Spirituosen bzw. gute Musik ist alles. Weder das eine, noch das andere ist irgendwie „besser“. Porcupine Tree sind schlicht, wie der Amerikaner so schön sagt, a different kind of animal. Das muss dem Hörer / der Hörerin vorher klar sein.

Nun haben die Engländer knapp 13 Jahre nach dem letzten Album und zwölf Jahre nach ihrer Auflösung überraschend und in Prog-Kreisen viel umjubelt ein neues Album veröffentlicht. Dieses Mal bloß zu dritt: Komponist, Sänger und Gitarrist Steven Wilson, Drummer Gavin Harrison und Keyboarder Richard Barbieri. Bassist Colin Edwin ist nicht dabei. Auf Nachfrage offenbarte er: „Im März 2021 bekam ich eine E-Mail von Steve, in der er mir mitteilte, dass es ein neues Album gibt und da er bereits alle Bassparts eingespielt hatte, gibt es keine Rolle für mich.“ Lassen wir das mal so stehen.

Everybody: „Rock is dead!“ – Steven Wilson: „Hold my beer!”
Das Album beginnt mit der 8-Minuten-Nummer Harridan und diese lässt mich sprachlos zurück. Bereits als Vorab-Single und Appetizer im November 2021 veröffentlicht, ist es, als wären Porcupine Tree nie weg gewesen. So frisch kann Rockmusik heute klingen! Ein sensationell groovendes Bassriff im Up-Tempo ergießt sich ins Nichts, ehe Gavin Harrison sich und sein Instrument als kantigen, aber extrem präzisen Tanzpartner anbietet, akzentuiert durch Barbieris Keys. Die Platte ist erst Sekunden alt und das wilde Kopfnicken zwischen verzweifeltem Taktzählen beginnt. Es folgt Wilsons Stimme, erst im Flüstertüten-Style, später im unnachahmlichen Melodyfinding-Modus. Harridan entwickelt sich zur Audioversion eines atemraubenden Arthouse Krimis – mit Happy End; trotz schließendem Moll-Akkord:

Faszinierend wie nonchalant Wilson und Co. zwischen den musikalischen Welten wandeln – von Depeche Mode-Anleihen in Walk the Plank hin zu treibenden Soundgarden Refrains in Herd Culling -, ohne dabei auch nur ansatzweise die eigene Visitenkarte aus der Hand zu geben:

Und auch in dem neun Minuten Drama Chimeras Wreck – gewissermaßen drei Songs in einem – steckt ganz viel großraumige Detailverliebtheit. Hier wird sich Zeit genommen. Wie eine Blume, die ihre Blüte gen Sonne streckt und öffnet, so entwickelt sich der Song zusehends und der empirische Porcupine Tree Botaniker wird für seine Geduld mehr als belohnt. Nach vier Minuten zieht die Nummer spürbar an, bis schließlich ein schickes Wah Wah Gitarrensolo zum großen Finale wiggelt. Nach 48 Minuten Laufzeit ist dann alles vorbei.

Bonustracks
Alles vorbei? Nicht unbedingt. Denn es gibt – wie inzwischen üblich – nicht nur die Standard Edition des Albums, sondern auch die Deluxe Bonus Edition, die mit drei Songs – und knapp 18 Minuten – mehr aufwartet. Hier sticht vor allem das instrumentale Arrangement Population Three heraus. Das Trio ist hier – wie auf dem gesamten Album – auf natürlichste Weise extrem homogen und spielfreudig. Wilson und Harrison sind die Fliesen, Barbieri der Fugenmörtel.

Wunderbare Lyrics
Allgemein gilt zu konstatieren, dass die Texte – Wilson-typisch – wieder in der Lage sind, Bilder im Kopf zu erzeugen, Geschichten zu erzählen. Und auch heikle Themen anzupacken. Bei der aktuellen Singleauskopplung Rats Return dachte ich zunächst, sie selbst wären die zurückkehrenden Ratten, aber achten wir auf den Text, wird klar, es geht um Politik. Um die Rückkehr der Diktatoren: Namen wie Wladimir Putin, Alexander Lukaschenko, Kim Jong-un, Xi Jinping (oder ihre afrikanischen Pendants) finden alle zwar nicht statt. Dafür aber – wohl als Platzhalter – ein paar „alte Bekannte“: Dschingis Khan, Augusto Pinochet, Mao Tse-tung, Kim Il-sung, die stellvertretend für die neue, unerwähnte Jahrgangsklasse herhalten müssen:

Leave your principles at the door
Spare me
Purge your guilt for the nameless hoards
Thrill me, you clown

Dazu: Heute lebt weniger als die Hälfte der Weltbevölkerung in einer Art Demokratie – und sogar nur 6,4% in einer „vollständigen“ Demokratie (Deutschland zählt nicht dazu!), Tendenz fallend. Über ein Drittel der Erdenbürger lebt inzwischen in einer Diktatur/einem autoritären Regime (Quelle: Economist Intelligence Unit). Deutschland belegt im Demokratieindex “nur“ Platz 15 – zwischen Luxemburg und Südkorea. Ein kleiner Exkurs aus Interesse des Autors, verzeiht.

Zurück zu Arthouse Krimis: Rats Return erinnert musikalisch extrem an einen David Lynch Film: Verstörend, unheimlich, faszinierend. Und das Video unterstreicht diesen Effekt – doppelt:

Was gefällt mir nicht?
Abzüge in der B-Note gibt es von mir, da ich mir die Rückkehr der Progger insgesamt rockiger gewünscht hätte. Die sphärischen und ruhigen Parts bilden zwar einen passenden und vertraut klingenden Spannungsbogen und Kontrast zu den Rockparts, aber sie verschleppen stellenweise das Grundtempo. Selbst wenn ich grundsätzlich ein großer Freund von Wilsons Ansatz der „natürlichen Tempoanpassung“ bin (siehe hier). Auch die vermeintliche Ausbootung von Bassist Colin Edwin, erschließt sich mir (als Außenstehender) nicht. Ab September ist das Trio auf Tour (auch drei Deutschlandtermine stehen auf dem Programm) und da selbst Mastermind Wilson kaum Gitarre und Bass gleichzeitig spielen kann, steht dann eben nicht der altbekannte Edwin, sondern Nate Navarro (nein, nicht Dave Navarro) auf der Bühne. Wer weiß, was dahinter steckt.

Kaufempfehlung?
Am Ende meiner Rezension möchte ich nochmals den Bogen zum Einstieg spannen: Denn dieses Album kann ich uneingeschränkt jedem musikalischen Octomore-Sympathisanten ans Herz legen. Neben Musik, Text und Stimme ist auch die Produktion tadellos und ein Ohrenschmaus, jeder Kuppelschlag ist kristallklar und perfekt gesetzt (Harrisons Leistung ist ohnehin absolutes Toplevel!): 8/10 Wellenbrecher. Komm, schenk mir ein!

Musikalische Aberfeldy-Fans sollten aber die Finger davon lassen.

Broilers – Puro Amor (2021)

Ich habe lange gewartet, einen Text zu diesem Album zu verfassen. Ein ganzes Jahr – Warum? Ich war nach dem ersten Hören ziemlich enttäuscht von der Platte. Das ist soweit nichts Ungewöhnliches. Je höher die Vorfreude, desto größer kann die Ernüchterung sein, wenn endlich eine neue Platte einer Band rotiert, die man lange erwartet hat und die man direkt nach der Ankündigung vorbestellte.

Sehr häufig muss man sich erstmal auf dem neuen Werk zurechtfinden. Mir gefällt das mittlerweile, weil es auch bedeutet, dass die Band eine Entwicklung durchläuft, dass sie nicht versucht ein ggf. erfolgreiches Vorgänger-Album zu kopieren, sondern für ihr neues Werk unter Umständen auch einige Änderungen vornimmt, dass sie neue Einflüsse einwirken lässt oder sogar einen ganz neuen Stil wählt.

Ein Stilbruch ist das neue Broilers-Album sicher nicht, aber es klingt in meinen Ohren schon anders als die Vorgänger bzw. setzt den Entwicklungstrend der letzten Platten fort. Und hier liegt der Grund, warum ich so lange mit dem Schreiben des Textes gewartet habe, ich habe mich bis jetzt nicht auf der neuen Platte der Düsseldorfer zurechtgefunden, ich finde einige Stücke oder Teile der Songs immer noch richtig grausam. Ich hatte einfach Angst, dass ich in meiner persönlichen Enttäuschung bei einer Rezension über diese Platte der Band und ihrer Absicht nicht gerecht werde. Ich habe mich dann erstmal ein wenig umgesehen und doch eine Menge sehr positive Statements und Rezensionen in (Online-) Magazinen gelesen bzw. in Podcasts oder Radioshows gehört und so fange ich auch mit zwei positiven Teilen an: erstens sind Cover und Artwork für mich eine glatte 1, zweitens sind Die Texte Sammy Amaras nach wie vor sehr gelungen. Ich mag es, dass die Broilers-Lieder sich erstens mit relevanten Themen beschäftigen, zweitens ein klares Statement enthalten und drittens trotzdem textlich nicht plump daherkommen, sondern weit überwiegend dazu animieren – teilweise dazu zwingen – zwischen den Zeilen zu lesen. Das hat mir beim vorab veröffentlichten Gib das Schiff nicht auf (siehe unten) bereits wieder gefallen und zeigt sich z. B. bei Dachbodenepisoden, Alles wird wieder OK oder Alice & Sarah sehr deutlich. Wenngleich es so ist, dass ich dabei inhaltlich gar nicht alle Aussagen der Songs teilen kann, das ist vor allem bei Diktatur der Lerchen und Nicht alles endet irgendwann der Fall.

Was mich insgesamt allerdings stört sind die Songstrukturen und die grundsätzliche Abmischung, die technisch zwar einwandfrei ist, aber offensichtlich mit der Prämisse, den Broilers etwas Härte zu nehmen, erfolgte. So denke ich, dass die gleichen Songs mit etwas weniger Kalkül und Akribie dafür mit mehr Instinkt musikalisch viel direkter, lauter und authentischer wären. Mir wirken viele Teile viel zu durchgeplant und sehr stark nachträglich aufgehübscht.

Auch die Ironie einiger musikalischer Passagen hat mich überhaupt nicht bekommen. Das betrifft das calypsomäßig mit Xylophonsounds angetüderte Lied Trink Mich Doch Schön und auch die in meinen Ohren billige und völlig unpassende Keyboardklimperei im Hintergrund bei An Allen Anderen Tagen Nicht.

Das Gesamtpaket klingt für mich nach dem Versuch, durch weniger harte Musik und mit auf Teufel komm raus aufs Mitsingen hingebogenen Refrains ein noch breiteres Publikum zu bedienen. Ich rege mich jetzt fast ein Jahr nach dem Erscheinen bei einigen Liedern immer noch über die zum Teil mit Schlagerschablone gezeichneten Pop-Rock-Songs wie Da Bricht Das Herz auf. An keiner nennenswerten Stelle wird hier auch nur ansatzweise über den Rand gemalt. Puro Amor bleibt für mich eine vertane Chance, die in der Bewertung dennoch nicht komplett durchrasselt, weil ich die Texte mag und sich am Ende dreieinhalb gute Songs finden lassen. Und weil ich die Band natürlich immer noch mag. Ja gut, dann hat mich die Platte halt nicht überzeugen können. Für den Einfluss auf junge und alte Menschen brauchen wir die klar platzierten Broilers auch weiterhin auf Festivals und in der Öffentlichkeit. Und wenn der Plan am Ende war, durch die unverfänglichere Musik mehr Radiozeit zu bekommen und damit mehr Leute mit den Statements zu erreichen, dann kann ich dem ganzen am Ende noch etwas Gutes abgewinnen. Und möchte somit dann schließen mit einem gelungenen Lied der Platte, die von mir trotzdem leider nur vier von zehn Wellenbrechern bekommt.

Fin The Chaef – Spaß war gestern (2020)

von Alex

Wir sind F T C – Fin The Chaef, Motherfucker! rappt Frontmann Vincent uns im gleichnamigen Song voller Überzeugung entgegen, als wäre es nie anders gewesen. Und selbst wenn der eigentümliche Bandname der Kieler Jungs – augenzwinkernde Hommage an einen ehemaligen Bewerber um den Job des Bassisten – schon lange existent ist, so musste die Band im Laufe ihres elfjährigen Bestehens bereits vermehrte Fluktuation an den Instrumenten und auch am Mic verkraften. Mit dem Aussteigen von Sänger Firat, der mit zwei Features auch auf dem Album dabei ist, wurde gar von ehemals englischen zu deutschen Texten gewechselt. Es war also durchaus ein beschwerlicher Weg, der einer Sackgasse gefährlich nahe kam, bis zum ersten Long Player Spaß war gestern. Oder mit den Worten von Fin The Chaef: Kommt, wir nehmen euch mit auf den Trip!

Schon zu Beginn des Albums wird klar, was uns die Chefköche von der Waterkant hier als Appetizer auftischen: Im 2:40 Minuten kurzen Opener Das Es bricht sich ein Gitarrenriff bahn, das indirekt an den Schriftsteller John Steinbeck erinnern lässt. Wie das? Früchte des Zorns, der Farmer Tom Joad, Bruce Springsteen Song, Rage Against the Machine Cover. Punkt.
Direkt nach dem Ghost of Tom Morello Kopfnicker Downbeat manifestieren sich Uptempo Punkchords und kicken den Song schwungvoll in eine neue Richtung. Appetitlich angerichteter Nu Metal Punk, garniert mit Vincents düsterem Rap (jetzt regiert das Es mein Leib und es bleibt. Ich treib die bösen Geister aus’m Wald und es wird kalt), macht Hunger auf mehr!

Und da wir schon bei denTexten sind: Im nächsten Titel Lass es Asche regnen – meiner Hassliebe des Albums – schlüpft der Sänger in die Rolle des ignoranten Wohlstandseuropäers, der sich gewaltig langweilt, während unsere Welt in Flammen steht:

Ja, ich lebe in Deutschland und das ist das Problem.
Ich habe keinen Hunger, denn ich lebe bequem. […]

Meine Hobbies sind lesen, Fahrrad fahren und wichsen.
Ab und zu geh ich auch schwimm’n, wandern oder fixen – ähh flixen… Netflix natürlich…

Der verschleppte, synkopierte Schlagzeugbeat, dessen Hi-Hat-Zählzeiten bewusst den akzentuierten Sprechgesang deckeln, ist ein absolut gelungener Aha-Effekt. Im Pre-Chorus und Chorus wird es dann textlich und musikalisch deutlich ernster und härter, wenn das Resultat des westlichen Lebensstils offengelegt wird. Stimmlich unterstützt wird Vincent dabei von Chiara Tahnee Lütje, die 2017 bei The Voice of Germany im Team Samu dabei war und die Sängerin der Hardrock-Combo Pay Pandora ist.

das Thema des „Brennens“ zieht sich als glühendroter Faden durch das ganze Album (siehe auch das Cover)


An dieser Stelle kommen wir zu meiner erwähnten Hassliebe: Ich mag den Song, ich mag die Message, ich mag Chiaras Stimme und das Fight Club Final Scene Bildnis (Hand in Hand steh‘n wir vor den Flammen…). Sobald Chiara und Vincent sich über die verzerrten Gitarren hinweg voller Inbrunst anschreien (die Stadt fackelt ab! / Brenn!), bin ich selbst Feuer und Flamme. Aber die Melodie des Refrains ist für mich zu sehr ins seichte Wasser gefahren. Dass die mit Abstand radiotauglichste Hook des ganzen Albums ausgerechnet im Duett mit der extrem talentierten Chiara daherkommt, wird mit Blick auf ihre gesangliche Reichweite beabsichtigt sein, vermiest mir aber ein stückweit das erfrischend rohe Gesamtarrangement.

So hatten andere Songs die Gelegenheit sich in den Vordergrund zu drängen. Schlechter Tag zum Beispiel weist ein brutal tightes Flaw/Chevelle ähnliches Distortion Riff auf und ich seh mich unvermittelt im feuchtschwülen Moshpit auf die Fresse kriegen. Wann sind die Jungs auf Tour? Später. Im Refrain wird es wieder punkiger, die Strophen überzeugen dank des prägnanten Bassgitarren-Schlagzeug-Floors und mitreißenden Textzeilen. Und höre ich da am Ende nicht wieder Chiara?

In Schau sie an mit Ex-Sänger Firat marschieren durch die Kopfhörer Soldaten im Vierviertel-Stiefeltakt, der sich übergangslos zu einem Rammstein-ähnlichen Groove entwickelt. Die Nummer behandelt blinden Gehorsam sowie Denunziantentum des „besorgten Bürgers“. Zumindest ist das meine Interpretation. Der Text ist eindeutig mehrdeutig. Am Ende dann wird die Band im wohl härtesten Part des Albums nochmal richtig sauer. Das schockt. Das schüttelt.

Auch die Nummern Systemirrelevant und der Hypochonder rocken vorwärts und überzeugen mit cleveren Texten. Wie die Titel vermuten lassen, geht es bei den Kielern zumeist gesellschafts- und kapitalismuskritisch zu. Das funktioniert in der Muttersprache zumeist authentischer.

Und dann ist da noch der eingangs erwähnte selftitled Song: Party on mit FTC. Im Intro hören wir nur einen donnernden Tomrhythmus, der ein wenig an den Anfang vom Schunder-Song der Ärzte erinnert. So oder so – immer mitten in die Fresse rein gibt es in beiden Songs:

Fazit:
In meiner jüngeren Vergangenheit kam mir zwar vermehrt deutschsprachiger Metalcore auf die Plattenteller, aber das Fin The Cheaf Potpourri war noch Neuland für meine Ohren. Der Wechsel hin zur deutschen Sprache geht jedenfalls absolut auf. Die fünf Küstenkinder haben mit Spaß war gestern ein bemerkenswertes Debüt-Menü gekocht. Hinzukommt, dass die Scheibe vom Gitarristen Malte über sein eigenes Homestudio Fördeton gemixt und gemastert wurde. Hut ab! Über Kopfhörer drückt die Platte so richtig.
Die elf Songs, meistens zwischen 3 ½ und 4 ½ Minuten lang, fließen musikalisch irgendwo zwischen Downset und Body Count – Crossover mit Punkvibes – und Wut. Dazu Frontmann Vincent, der genretreu rappt und schreit, als gäbe es kein morgen.

Aufgrund kleinerer Atempausen, die dem Schöpfungspeak Raum zum Wirken lassen, vergebe ich verdiente 7,5/10 Wellenbrechern. Spaß ist heute!

Stellt sich abschließend also nur die Frage, wann und wo Fin The Chaef auf Tour sind, denn dieses Album – und übrigens auch ihre neue Single Lottoleben – wollen dringend auf die Bühne:

29.10.2022 in Heide (Location: Plan B)
05.11.2022 in Kiel (Medusa)
12.11.2022 in Itzehoe (Haus der Jugend)

Festivals:
20.05.2022 – Punkrockfest mit Marathonmann und Dysfunction in Kiel (Roter Salon, die Pumpe)
14.-16.07.2022 – Blizarrrd Festival u.a. mit Jinjer, Emil Bills, Die Happy… in Bornhöved

Instagram: Fin The Chaef
Website: Fin The Chaef
youtube: Fin The Chaef
Streaming: Fin The Chaef

Schließen möchte ich mit dem sehr coolen, weil extrem sympathischen und selbstironischen Video zu Lachend in den Untergang – auch auf dem Album zu hören:

„Ich hab vor 20 Jahren mal die Landsknechttrommel im Spielmannszug gespielt!“ Herrlich! 🙂