Die P

Ausflug zum Hip Hop: Nach den Eps „Bonnität“ (2017) und „Tape“ (Mai 2020) erscheint 2021 das Album „3,14“. Die P hat Deutschrap in meine Playlists zurückgebracht. Ihr Auftreten ist entspannt authentisch und gleichzeitig stabil und überzeugend, auch auf der Bühne. Schon 2020 war deutlich mehr mediale Aufmerksamkeit zu verzeichnen und so erwarte ich für 2021 noch mehr Respekt und Anerkennung. Und für alle, die immer noch glauben Frauen im Rap wären ein „Phänomen“, sei das Label 365xx empfohlen, welches sich aus dem Projekt 365femalemcs entwickelte.

Auch hier gilt es zu bedauern, dass 2020 kaum Live-Performances möglich waren. Wer Die P allerdings über Instagram folgt, konnte im vergangenen Jahr einige „Wohnzimmer“-Auftritte mitverfolgen. Wer old school Hip Hop stilvoll wiederbelebt erleben möchte, folgt ihr und erwartet im Frühling das Album!

The Last Internationale aus New York, USA

Selbst wenn ich in meiner Liste kein Ranking eingebaut habe, steht diese Band für mich doch ein Stückchen über allen anderen, die noch kommen (dramaturgisch fragwürdig? Egal!).
Es handelt sich um ein Duo – eigentlich nicht so meins. Ich bin ein Freund vom Konservativen: Entweder Solo-Artist oder mindestens dreiköpfige Band. Duos treten auf Hochzeiten auf!
Aber dieses Duo aus New York ist so verdammt gut, dass ich gerne über meinen Schatten springe und eine Ausnahme mache:

Mit Edgey Pires und Delila Paz haben wir hier einen schönen Geschlechtermix am Start. Beide noch blutjung machten sie sich mit ihrer ersten LP We will Reign schon 2014 daran, die Szene aufzumischen. Pires spielt Gitarre und Paz hauptsächlich Bass, aber auch Gitarre, Piano, Mundharmonika und – sie singt. Und wie sie das tut! Eigentlich schüttet sie vielmehr ihr Herz und ihre Seele über die Stimmbänder aus. Geht das? Speaking of Hearts, hier noch eine weitere Kostprobe:

Doch ihr Joplin-Baez-Slick-Timbre ist nur ein Teil der Faszination von The Last Internationale. Der andere ist lodernde Wut in den gesellschafts- und regimekritischen Texten und die Energie der Musik. Kein Wunder also, dass für das Debütalbum niemand geringes als Brad Wilk – Drummer von Rage Against The Machine – hinter der Schießbude saß.

2019 kam dann mit Soul on Fire ihr zweites Album heraus (ohne Wilk und in Eigenregie produziert!). Der Titelsong ist für mich der beste und bedeutendste Song des Jahres. Das ganze Album ist einfach nur fantastisch. Keine Kaufempfehlung, ein verdammter Kaufbefehl!

Großartige Stimme, wütende Gitarrenriffs, balladeske Ausbrüche, eingängige Melodien, textliche Relevanz und Ernsthaftigkeit: Wenn die Pandemie, deren Name heute mal nicht genannt werden will, sich endlich… zurückzieht, könnte, nein sollte 2021 ihr Jahr werden. Die Tickets für den Frankfurt-Gig hängen jedenfalls schon an meiner Pinnwand!
Hit us with your blu-u-u-ues!

Folgt ihnen gerne auf instagram.
Hier gibt’s ansonsten alles, was das Fan-Herz begehrt.

Nova Twins

Dringende Empfehlung: Das kürzlich erschienene Album „WHO ARE THE GIRLS?“ geht nur geradeaus. 10 Lieder, 30 Minuten, starke Texte, kein Hänger, keine Pause. Es bleibt zu hoffen, dass die für 2021 geplante Tour auch demnächst durchführbar wird. Für die Auftritte in Deutschland gibt es teilweise noch Tickets. Wäre 2021 ein normales Jahr, ich würde sie auf vielen Festivals erwarten, mit einem dieser 16h30-Zeltbühnen-Momente, an die man sich hinterher länger erinnert als an so manchen abgebrühten Primetime-Hauptact. Aber gut, vielleicht dann 2022

Besucht die offizielle Homepage oder folgt ihnen via instagram @NovaTwinsMusic

Wir wünschen euch allen einen glücklichen und vor allem gesunden (!) Start ins neue Jahr. Möge es für uns alle weniger kräftezehrend und herausfordernd werden. Bleibt optimistisch!

Unser Januar steht dieses Jahr voll und ganz im Zeichen der Vielfalt:
Wir wollen euch jeden Tag eine neue Solo-Künstlerin oder auch Band mit weiblichen Mitgliedern vorstellen, die uns musikalisch begeistert hat.

Warum? In unserer #5 „Öffentlich brandmarken“ kamen wir zu dem Schluss, dass in puncto Diskriminierung im Allgemeinen und so also auch in Bezug auf Sexismus zunächst jeder vor seiner eigenen Tür kehren und sein Bewusstsein und seine Empathie hierfür aktiv weiterentwickeln muss. Auch Felix hat sich dann selber mal hinterfragt und in seiner Musikbibliothek liegt der Anteil an Bands mit Musikerinnen und Solo-Künstlerinnen bei gerade einmal gut 12%.

Darunter befinden sich ganz hervorragende Acts unterschiedlichster Genres. Teils bekannt und etabliert, teils aufstrebend oder Geheimtipp. Wir möchten euch diesen Monat einige davon ans Herz legen. Und wenn wir am Ende des Gender-January noch eine Künstlerin oder Band vergessen haben, die euch besonders am Herzen liegt, dann gebt uns Bescheid!

Flashback! Crossing all over …

Der Wellenbrecherbereich bereist die 90er jenseits von Snap und Culture Beat. Wir stellen immer wieder fest, dass das Jahrzehnt der Neunziger Jahre für uns vier alte Herren durchaus eine besondere Epoche ist, die uns auch musikalisch sehr prägte. Deshalb entstand zur zweiten Session des Podcasts diese Rückblende zur Würdigung einer besonderen Stilbildung aus diesen vergangenen Tagen.

Als ich mir kürzlich in Vorbereitung auf unsere zweite Folge des Podcasts die CD „Explositive“ der mir bis dahin unbekannten österreichischen Band Kontrust anhörte, wurden sofort Erinnerungen an eine Zeit geweckt, die mich auch musikalisch sehr geprägt hat.

Als sich Mitte der Neunziger der Trend durchgesetzt hatte, genreübergreifend zu produzieren war das mehr als nur ein musikalischer Stilmix. Musik spielte zu dem Zeitpunkt eine große Rolle auch in Bezug auf die Identität der pubertierenden Egos von mir und meinem gesamten damaligen Umfeld. Nach den ersten Jahren gemeinsamer, rauschender Punkrock und Grunge-Erlebnisse, faserte sich das Umfeld allmählich auf. Einige zog es mehr und mehr zum Hip Hop, andere zum Drum and Bass, manche zum Metal, ein paar wenige bevorzugten die Charts und wieder andere blieben beim Punk oder entdeckten Oi, Ska oder Reggae und so weiter und so fort. Das wirkte sich natürlich auf die Abendgestaltung und Wochenendplanung aus, vor allem weil man in dem Alter bzw. zu diesem Zeitpunkt in Bezug auf den Musikgeschmack noch sehr unflexibel bis starrköpfig war. Eigentlich wusste jeder recht genau, was man sich für die „Credibility“ seines Umfelds für Ausflüge erlauben konnte und welche eher verpönt waren. Ich kann natürlich nur für mich sprechen, denke aber, dass ich nicht alleine damit bin: Der Musikgeschmack setzte sich damals viel zu stark aus Prinzipien zusammen. Wenn man sich dem alternativen Genre angeschlossen hat, dann hat man Rap oder elektronische Musik zu oft nur heimlich gehört, wenn es keiner mitbekam, und man hat zum Teil sogar andere für ihren Musikgeschmack diskreditiert. So trennten sich auch die Wege von Freunden und Bekannten, mit denen man an sich sehr gut auskam und das war bedauerlich.

Genau hier setzt meine oben erwähnte Erinnerung an. Der musikalische Hype des Crossovers konnte hier wenigstens etwas Abhilfe schaffen. Korrekterweise muss man sagen, dass der Begriff Crossover ja ursprünglich die Methode beschreibt, beliebige Musikstile zu kombinieren. Allerdings hat die Phase der Neunziger, in der munter Punkrock, Hardcore und Metal mit Hip Hop und / oder Techno und vielen weiteren Stilen gemixt wurde, den Begriff so geprägt, dass er einfach für dieses entstandene Genre übernommen wurde. Nachdem anfänglich – Wie beim legendären Soundtrack des Films „Judgement Night“ noch Bands zweier unterschiedlicher Richtungen kollaborierten, kamen später immer mehr konkrete Crossover-Bands auf die Bühne, die von vornherein verschiedene musikalische Aspekte kombinierten und damit über Jahre erfolgreich Tonträger verkaufen und touren konnten – wie z.B. die deutsche Band Such a Surge. Außerdem gab es natürlich bereits bestehende Bands, die gewisse Crossover-Elemente in ihr Repertoire übernahmen und so ebenfalls neue Fans erreichten – Faith No More wären so ein Beispiel. Crossover-Bands beherrschten zu der Zeit die Line-Ups vieler Festivals und hatten, aufgrund des szeneübergreifenden Anspruchs eine große Fan-Basis.

Für uns als Fans und Konsumenten bot diese Musik darüber hinaus die Möglichkeit, wieder mehr gemeinsame Partys, Konzerte oder Festivals zu besuchen, da die Schnittmenge sich durch diesen Stil enorm vergrößerte. Die Bremer Band Saprize zum Beispiel vereinte Teile der Skinhead-Attitüde mit einem musikalischen Hardcore und Rap Mix, teilweise gepaart mit einfachen Keyboard-Linien oder Samples aus weiteren Genres, ohne dabei albern zu wirken. Bei den oben bereits erwähnten Such a Surge kamen stellenweise Funk- und Jazzeinflüsse zum Tragen, zudem sangen sie nicht nur in deutscher Sprache, sondern auch auf Englisch oder Französisch.

Heutzutage kann ich sagen, dass der Einfluss doch offensichtlich sehr nachhaltig war, denn wenn ich mir meine bei Streaming-Diensten selbsterstellten Playlists ansehe, merke ich, dass ich diesen kruden Stilmix immer noch beibehalte. Aus diesem Grund ist meine meistgehörte Playlist mit „Kraut und Rüben“ betitelt und enthält KünstlerInnen aus verschiedensten musikalischen Bereichen.

Rückblickend – nicht ganz frei von biographischem Einfluss – lässt sich der Crossover als Pubertät der alternativen Musikstile bezeichnen. Man weiß ungefähr wo man hin will, probiert auf diesem Weg aber verdammt viel aus, pöbelt laut herum, überschreitet ein paar Grenzen und hält sich für etwas ganz Großes, glaubt es gehe ewig so weiter und entwickelt erst allmählich eine Identität, in der man sich auf bestimmte Dinge besinnt, zulasten anderer Teile, die man über Bord wirft, oder die einfach in Vergessenheit geraten.

Dem einen gelang dieser Schritt dabei schneller als dem anderen. Während der deutsche Hip Hop zum Beispiel nach dem Crossover-Hype eine rasante Entwicklung zum nächsten Hype hinlegte, blieb der Deutschpunk noch lange in der Entwicklung stecken und blieb als Trotzkopf, der keine Entwicklung wollte noch lange zurück. So spielten noch bis weit in die 2000er Jahre auf Punk-Festivals die nahezu gleichen Bands auf, die schon in den frühen Neunzigern die Sampler beherrschten, obwohl auch in diesem Bereich immer wieder gute neue Formationen auftauchten, kam die Akzeptanz für diese erst stark verspätet.

Beim Hören des Albums „Explositive“ der Band Kontrust fühlte ich mich zeitweise stark in die Mitte der Neunziger zurückversetzt. Es kamen viele sehr diffuse Erinnerungen hervor. Z. B. musste ich an meinen alten CD-Player denken, der mir sehr viele Jahre treue Dienste leistete. Ich habe in dieser Phase nur noch sehr wenige Alben auf Vinyl gekauft, den überwiegenden Teil an Tonträgern habe ich zu jener Zeit auf CD gekauft. Ich erinnerte mich dabei an das Geräusch, welches beim Öffnen der Disc-Schublade ertönte. Außerdem musste ich an diese prägenden Cover denken: Grafisch jetzt voll auf Computer umgeschwenkt, Schriftzüge mit hässlichen, nicht selten kreischbunten Hintergründen und im Inneren in Schriftgröße 4 abgedruckte Texte zum Mitlesen. Außerdem Erinnerungen an Konzerte bei denen es irgendwie immer vor der Bühne sehr voll war, weiter hinten aber häufig viel Platz blieb. Holzfällerhemden, auf Ärmeln bedruckte Longsleeves und beim Springen verlorene Sneaker.

So viel sei also verraten: Das Album verpasste mir einen Flashback. Inwieweit es dann – etwas objektiver betrachtet – uns vom Wellenbrecherbereich auch musikalisch überzeugen konnte, könnt ihr in unser zweiten Folge hören (und zwar hier).

Move Ya!